El sonido que viene del cielo: Entrevista a José Oliver Bisbal

Una de las grandes figuras de la flauta en España, se retira tras una dilatada carrera en el mundo de la música en la que ha trabajado todos los grandes géneros. José Oliver Bisbal nos recibe en su casa para relatarnos sus mejores recuerdos y grandes vivencias tras más de cincuenta años de profesión.

JOSE OLIVERJosé Oliver en el Auditorio Nacional de España

El sonido que viene del cielo: Entrevista a José Oliver Bisbal, por Alicia López Carral

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Nuevas figuras del flamenco: Entrevista a David Durán

David Durán (Madrid, 1985) es un compositor y guitarrista de flamenco con una extensa trayectoria a sus espaldas. Su presencia en los tablaos flamencos madrileños es cada vez más frecuente (ha actuado en El Corral de la Pacheca, Las Tablas, Torres Bermejas y Casa Patas) y ha colaborado con artistas de la talla de Pitingo, Isabel Pantoja, o Rafael Amargo, realizando varias giras junto a figuras como Javier Latorre o Arturo Sandoval. Asimismo, ha trabajado como compositor para la compañía de danza de Antonio Márquez (con la que ha realizado giras por países como Francia, Suiza, Alemania, Hungría, Israel, Argelia, Japón, Brasil, o Italia), así como para la compañía de Luis Ortega.

Pero también Durán ha participado como solista en auditorios y teatros de ópera: si en 2009 actuaba junto a la Orquesta de la Ópera de Trieste, en 2013 se le pudo escuchar en el Auditorio Nacional de España junto a la Orquesta Metropolitana de Madrid. Además, no satisfecho con esta exitosa carrera como intérprete y compositor, paralelamente emprendió su formación universitaria, obteniendo en 2014 el título de graduado en Historia y Ciencias de la Música por la Universidad Autónoma de Madrid. Actualmente estudia el Máster Oficial en Composición para Medios Audiovisuales de la Escuela Katarina Gurska, que compagina con su carrera como guitarrista y compositor.

En esta entrevista, concedida en exclusiva a la Revista Música Autónoma, nos habla de su experiencia en el mundo del flamenco y de sus futuros proyectos como compositor e intérprete.

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David Durán en una actuación de su última gira por Japón (©Girasol Flamenco Studio)

Nuevas figuras del flamenco: Entrevista a David Durán, por Cristina Roldán Fidalgo

Rocío Pérez, una joven promesa de la lírica

Con tan solo 23 años, la soprano ligera Rocío Pérez Rodríguez puede presumir de tener una exitosa carrera a sus espaldas y de ser una de las voces más prometedoras de nuestro país. Esta madrileña formada en la Escuela Superior de Canto de Madrid cuenta ya con varios reconocimientos. El último llegó el pasado mes de julio en Irún, donde se alzó con el primer premio del XII Concurso Internacional de Canto Luis Mariano, además de con el galardón del jurado a Mejor promesa. En esta entrevista que nos concedió en exclusiva a la Revista Música Autónoma nos desvela las claves de su éxito y nos cuenta todo acerca de sus próximos proyectos.

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¿Cómo supo que lo suyo era el canto?

No lo supe hasta llevar varios años dentro del mundo de la música. Comencé mi formación con 9 años en la Escuela Municipal de Música de Parla donde tocaba el clarinete y me formaba en lenguaje musical. Poco después decidí empezar en la Escolanía Municipal y allí empezó todo.

Canté en la Escolanía durante algunos años y eso me dio la posibilidad de hacer los primeros papeles en óperas infantiles. Con 14 años tuve la oportunidad de cantar como solista en el Teatro Real con la ópera The Little Sweep de Britten; esa experiencia fue la que me empujó definitivamente a dedicarme a esto. Enseguida quise informarme de todo lo que tenía que hacer para poder estudiar la carrera de canto y con 16 años empecé mis estudios en el Conservatorio. Desde ese momento mi vida y mis estudios han ido encaminados a dedicarme a esto.

En 2013 quedó segunda en el Concurso de Jóvenes Intérpretes Españoles de Málaga, el pasado mes de julio ganó el XII Concurso Internacional de Canto Luis Mariano y el galardón especial del jurado a la mejor promesa… ¿qué cree que tiene su voz que tanto gusta?

La verdad es que no sé la respuesta. Pienso que hay varios factores que pueden influir a la hora de poder ganar un concurso, pero sin duda lo más importante, desde mi experiencia, es disfrutar y hacer disfrutar al público. Puedo recordar el último concurso de Canto (Luis Mariano) como una experiencia muy divertida y satisfactoria encima del escenario. El trabajo vocal e interpretativo ya estaba hecho con anterioridad, y ese era el momento de disfrutar de esta profesión. Cuando subí al escenario me concentré simplemente en pasarlo bien, y eso hice. Tuve la sensación de que el público lo pasaba bien conmigo y fue lo más placentero.

“La situación que estamos viviendo actualmente en la lírica es complicada y no da cabida al divismo”

Web_MG_5962Rocío Pérez en el Concierto extraordinario de jóvenes cantantes de Amigos de la ópera (©Opera World)

Siempre se ha dicho que el mejor momento para un cantante llega cuando supera los treinta años, cuando tiene “madura” la voz. Pero usted está aún en la veintena y ya cuenta con varios premios… ¿Qué opina al respecto? ¿En qué momento considera que se encuentra de su carrera?

Es verdad que un cantante puede estar sufriendo cambios en la voz hasta los 30 y eso, muchas veces, imposibilita poder empezar a dedicarte al canto con la rapidez con la que se hace en otras profesiones. En el caso de las voces ligeras, como la mía, los cambios son menos bruscos y eso nos da la posibilidad de poder empezar un poco antes la carrera profesional.

Igualmente, todavía soy joven y soy consciente de que mi voz está en constante cambio. Intento siempre cantar repertorio que vaya acorde a mi voz, y trabajo a diario para tener una técnica sana y una voz duradera.

¿Qué objetivos quiere alcanzar como soprano? ¿Hay algún personaje en concreto al que quisiera dar vida?

Siempre he funcionado con metas difíciles pero alcanzables. Por supuesto, como casi todo cantante, sueño con pisar los teatros más importantes del mundo y tener una carrera de éxito; pero lo que me da fuerza y me hace sentir feliz es la satisfacción de ir mejorando cada día y de disfrutar cada pasito de esta carrera.

Ahora mismo no tengo predilección por ningún rol en concreto, creo que cada personaje tiene su propio atractivo, pero sí que hay personajes que vocalmente han conectado más conmigo y eso me despierta cierta inquietud por trabajarlo a fondo, en un escenario. Ese es el caso de Lakmé en Lakmé de Leo Delibes.

¿Qué sopranos han sido o son sus referentes?

Nunca he sido de tener muchos ídolos, pero he de decir que siento cierta debilidad por Natalie Dessay. Ella es una soprano ligera, como yo, y oír su voz siempre me ha ayudado a mejorar en mis primeros años de formación. Es una gran actriz y una gran cantante que, en mi opinión, combina ambas cosas a la perfección.

Cuéntenos, ¿cómo es una cantante lírica del siglo XXI? ¿En el “mundillo” aún hay “divismos”?

(Ríe) Bueno, siempre se ha dicho que en el mundo de la ópera se encuentra a mucho “divo”. Desde mi corta experiencia puedo decir que he conocido a todo tipo de personas: gente más permisiva y flexible a la hora de trabajar y gente un poco más especial en ese sentido; pero he de decir que en el círculo de cantantes de mi edad he visto personas bastante frescas. Creo que la situación que estamos viviendo actualmente en la lírica es complicada y no da cabida a esta clase de comportamientos.

Participó el año pasado en el montaje de una “Caperucita Roja” que fundía la ópera con los cuentos infantiles, ¿cree que estas iniciativas favorecen que niños y jóvenes se interesen por la ópera? ¿Cómo ve el estado actual del género lírico en nuestro país? ¿Por qué cree que hemos llegado a esa situación?

Por supuesto veo esencial que se hagan proyectos infantiles en los que se pueda mostrar a los niños la cultura de nuestro país y de nuestro mundo. Ellos lo pasan muy bien y realmente disfrutan con ello. También he tenido la oportunidad de hacer cantatas con niños. He observado que el hecho de que los niños se suban a un escenario, se concentren, y por fin hagan eso que llevan trabajando con gran ilusión durante un largo tiempo, es una experiencia y un aprendizaje que no olvidan jamás.

En cuanto a la situación de la lírica en España, ahora que he tenido la oportunidad de salir al extranjero y tratar con jóvenes cantantes europeos, me he dado cuenta que el público en la ópera es bastante más amplio y diverso en países como Alemania o Francia. La situación en España es difícil y hace que los jóvenes tengamos menos posibilidades de mejorar nuestra formación y de encontrar trabajo. Esto hace que el abanico de posibilidades para un joven cantante que intenta buscarse la vida sea en su mayoría en el extranjero. Por otro lado, debo decir que me alegra que cada año en la Escuela Superior de Canto de Madrid se apueste más por la formación del cantante joven.

“Intento siempre cantar repertorio que vaya acorde a mi voz, y trabajo a diario para tener una técnica sana y una voz duradera”

loboconcaperucitaunoLa soprano en el montaje “Caperucita roja” de Opera Divertimento (©Opera Divertimento)

¿Qué nuevos proyectos tiene entre manos?

Este año he terminado la ESCM y actualmente he tenido la oportunidad de entrar a formar parte del programa “Opera Studio” de la Ópera Nacional de Rihm en Francia. Durante esta temporada trabajaré en diversos recitales y en óperas como Il matrimonio segreto de Cimarosa, La belle ou bois dorment de Respighi o Ariane et Barbe-Bleue de Dukas.

Muchos de nuestros lectores son jóvenes músicos, si tuviera que darles un consejo para su carrera ¿cuál sería?

Debido a mi corta experiencia profesional no me veo preparada para aconsejar a un compañero. Lo único que puedo decir es que, ya que tenemos la oportunidad de trabajar con lo que es nuestra pasión, nunca se deje de disfrutar y nunca se pierda la ilusión por sentir y hacer sentir a alguien.

Cristina Roldán Fidalgo

Entrevista a Josetxu Obregón: En línea ascendente

Por Lorena Jiménez

Si habéis tenido la oportunidad de leer su perfil biográfico, quizás sepáis que cursó estudios superiores y de máster en violonchelo, música de cámara y dirección en España y Holanda, y que es profesor del Real Conservatorio Superior de Madrid. Su curriculum dice también que ha sido galardonado con una decena de premios y que ha actuado en importantes salas europeas, así como en Estados Unidos, México, Chile, Costa Rica, Japón y China. Lo que no dice el curriculum de este músico bilbaíno, cuya hoja de ruta profesional cambia durante su etapa en Holanda cuando estudiando violonchelo barroco se encuentra a gusto en el mundo de la interpretación historicista, crea su propio grupo, y sigue por esa ruta como quien anda con unos zapatos en los que se siente cómodo, es que Josetxu Obregón vive entregado a su trabajo, triunfa en lo que se ha propuesto, tiene cara de buena persona y es de agradabilísimo trato.

En un café que a pesar de haber sido construido en la década de los 80 del siglo XX, tiene toques neobarrocos y está situado en el Madrid de los Austrias (el Madrid antiguo, en el habla coloquial, aunque realmente es más dieciochesco o decimonónico que seicentesco), hablamos con Josetxu Obregón  en una extensa  e interesante entrevista para la revista  Música Autónoma,  de cómo decidió especializarse en la interpretación historicista, futuros proyectos y de su última grabación con La Ritirata: la integral de los cuartetos de cuerda de J. C. de Arriaga.

Josetxu ARRIAGA

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Marta Lozano Molano, la composición contemporánea

Marta Lozano Molano es una compositora, cantante y pianista cacereña. Su música ha sido interpretada tanto en España como en Reino Unido, Alemania, Suiza, Austria y EEUU. Ha recibido varios galardones en diversos certámenes como Physics & Music de la Universidad de Física de Viena, I Concurso de Composición de Música Sacra de Donostia Kultura y la Federación de Coros de Guipúzkoa, entre otros. Actualmente combina su ocupación como compositora con estudios de doctorado en Arte Sonoro.

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¿Qué es lo que te llevó a estudiar música y a dedicarte a la composición?
Mi inquietud por la música comenzó cuando era pequeña. Mis padres me ofrecieron la posibilidad de ir al conservatorio y acepté. Una vez me sumergí en el mundo de la música ya no pude abandonarla. La composición llegó a mi vida de forma gradual. Siempre he estado interesada en la exploración del sonido y he escrito pequeñas piezas para piano. Poco a poco dedicaba más tiempo a ello y menos a la interpretación, hasta que a la edad de 19 años me arriesgué y tomé la determinación de dedicarme a la creación de lleno.

Muchos de nuestros lectores quieren dedicarse o se dedican a la composición. ¿Podrías explicarnos a qué dificultades has tenido que enfrentarte en el ámbito de la composición? ¿Cuál es el día a día de una compositora?
Componer es en ocasiones una labor ardua y sacrificada. Se basa en una toma de decisiones constante: escribir para un instrumento u otro, emplear este o aquel recurso, desarrollar de una determinada manera el material sonoro de la pieza… Además, durante el proceso creativo de la pieza se viven experiencias muy intensas que hay que saber afrontar y asimilar. El día a día de un compositor es muy variado, al menos en mi caso. Me gusta trabajar durante el día, entre 5 y 10 horas durante periodos de 2-3 jornadas. Combino esta labor tan vigorosa con descansos de varios días o incluso semanas. Pero componer no es solamente escribir notas en el papel. Existe un trabajo previo de investigación sobre el instrumento y sus diversas técnicas, repertorio relacionado y charlas con expertos en interpretación. El proceso de maduración de las ideas necesita su tiempo y ha de gestarse poco a poco. También existe el trabajo posterior a la codificación las ideas musicales en la partitura que es el trabajo con los intérpretes y el concierto, una etapa profundamente enriquecedora. Además de la composición me dedico a la enseñanza y a la investigación con lo que cada día aprendo muchas cosas que me ayudan a crecer como persona y como artista.

“Creo que los compositores somos creadores y receptores a la vez y deberíamos hacer una profunda reflexión para entender por qué ciertas músicas no son del agrado de ciertas personas y empatizar con nuestro público”

¿En qué te inspiras a la hora de componer?
Soy una persona muy sinestésica y recibo muchos estímulos visuales a través del sonido y viceversa. Los timbres de los instrumentos y el aspecto de las palabras y números me sugieren principalmente colores. Me inspiro en estas “tonalidades” y, en ocasiones, las combino con imágenes mentales relacionadas con fenómenos naturales como la luz. También me encanta explorar el sonido y observarlo desde distintos puntos de vista, especialmente desde el timbre y el silencio.

¿Consideras que existe un problema hoy en día con la recepción de la música contemporánea por parte del público?
Opino que existe una ruptura entre el gran público y parte de la música actual. Se requiere una escucha activa y que el receptor se involucre. En una sociedad visual donde todo viene en formatos muy asequibles es difícil que todo escuchante haga grandes esfuerzos por aprehender nuevas formas de entender la música. Creo que los compositores somos creadores y receptores a la vez y deberíamos hacer una profunda reflexión para entender por qué ciertas músicas no son del agrado de ciertas personas y empatizar con nuestro público.

En general, ¿cómo consideras que le llega al público tu música?
Tengo un público muy variado, desde desconocedores de la materia hasta profesionales. Mi propuesta es invitar al público a conocer todo el proceso creativo. Por eso y sirviéndome de internet hago partícipe a todo aquel que quiera conocer cual es la trayectoria de una pieza desde sus inicios hasta la reflexión posterior al estreno. Hasta ahora ha tenido muy buena acogida y yo me siento muy satisfecha y con ganas de mejorar.

“La música electrónica es una gozada. Te permite trabajar directamente con el sonido sin someterte a un pentagrama”

¿Qué opinas de la fusión de la música clásica con diversos estilos como el jazz o el flamenco? ¿Consideras que la fusión de estilos es mirada hacia el futuro?
Considero que es un error ser impermeable a otras formas de hacer música. Todas son muy enriquecedoras y ofrecen mucho que aprender. Opino que cada creador debe seguir su camino y emplear las herramientas y estilos que necesite para plasmar su idea en una composición. No hay que tener miedo a recurrir a recursos distintos a “lo establecido”. Solamente investigando podrán aumentarse las fronteras del conocimiento.

En una de tus piezas, Rubbing, utilizas la música electrónica como un medio más de expresión. Háblanos de tus experiencias con la música electrónica.
La música electrónica es una gozada. Te permite trabajar directamente con el sonido sin someterte a un pentagrama. Para mí, componer con medios electroacústicos es como esculpir el sonido con mis propias manos. Es abstracto pero concreto. Es la libertad.

En Duermevela se aprecian unos fuertes contrastes de agudos y graves.
Duermevela es una pieza pensada para alumnos de Enseñanzas Profesionales que han de adentrarse en el mundo de la música del siglo XXI. Mezcla estilos desde el atonal y minimalista hasta otros más urbanos y populares. Su aspecto pedagógico se basa en el uso del registro completo del instrumento, pudiendo comprobarse al interpretar la obra, las diferencias tímbricas de cada parte del teclado. Duermevela es una alegoría ese sueño ligero a medio camino entre la vigilia y el sueño, donde las imágenes aparecen y desaparecen. Esta pieza tan descriptiva tiene como objetivo principal, dejar volar la imaginación tanto del intérprete como del escuchante. Esta pieza es el resultado de un proyecto de colaboración entre la Asociación de Compositores de Extremadura y el Conservatorio Juan Vázquez de Badajoz. Actualmente estamos inmersos en la publicación y presentación de las piezas creadas para esta ocasión.

“Mi propuesta es invitar al público a conocer todo el proceso creativo”

La experimentación es una de las facetas más importantes en tus composiciones. Gracias a ello, se aprecia una expresiva creatividad en tus piezas. ¿Cuál es el proceso de experimentación e investigación que empleas a la hora de componer?
Anteriormente he mencionado mi sinestesia, esencial para mi trabajo creativo. Hay otro aspecto con el que disfruto experimentando en mis piezas: las emociones. Soy una persona entusiasta y enérgica. Vivo todas las emociones de una manera muy íntima e intensa que trato de plasmar en mis piezas. Busco y encuentro ideas poéticas y conceptos de los que fabricar una metáfora a través de una gestión dramática de la energía y confrontando emociones muy extremas.

¿Qué proyectos tienes para el futuro?
Mis proyectos abarcan la investigación y la composición. Actualmente me encuentro inmersa en mis estudios de doctorado en el ámbito del Paisaje Sonoro. En cuanto a mi propuesta de hacer partícipe al público de todo el proceso creativo, varias piezas cobrarán forma próximamente: “Aftasí” que estrenará Sonido Extremo el próximo día 14 de junio con motivo del Milenio de la Ciudad de Badajoz, enmarcado en el XXXI Festival Ibérico de Música de Badajoz; una pieza que lanzará en su próximo disco del saxofonista Javier Ruiz Amado; y Zafiro, para la Orquesta Joven de Extremadura, que se estrenará el próximo diciembre.

 Diego Peláez